Drácula - Ballet de Teatres de la Generalitat

Una de Ballet y vampiros.

Yo he llegado tarde a la danza, siempre he sido gran amante del teatro y de la música en todos los sentidos pero la danza creo que la "descubrí" en los 90 con una visita de Lindsay Kemp a Valencia con una obra que me impactó y poco más tarde con la Compañía Nacional de Danza 2, recién creada por Nacho Duato, que terminaron de hacerme adicto a este género.

A partir de ahi y de hacerme el carnet de Amigos de la Danza de Valencia creo que he ido viendo casi toda la danza contemporánea que se ha programado y, como no, éste Drácula de Ramón Oller no iba a ser menos (máxime cuando conseguimos entradas gratis)

Ramón Oller

Ramón Oller inicia la carrera de actor en Esparreguera, estudiando posteriormente interpretación en el Departamento de Arte Dramático del Instituto del Teatro de Barcelona. Estudia danza clásica y contemporánea con Laura Tápies, Joan Tena, Ramón Solé, Martina Col, y Dafna Rathause, así como durante cuatro años en el espacio de danza La Fábrica de Barcelona. Fuera de España estudia en la escuela The Place (Londres), en las principales escuelas de danza contemporánea en París, y con Yvoner Cortier en la escuela de la Opera de París.

Su primera coreografía Dos dies i mig obtiene el segundo premio Tórtola Valencia '84 otorgado por la Diputación de Barcelona y la Generalitat de Cataluña. En 1985 crea la Compañía METROS. En el 87 obtiene el premio a la creatividad de la Generalitat de Cataluña por la pieza Nofres. En los últimos años ha sido profesor invitado en Francia, Suiza, Italia, Grecia, Portugal, España y Estados Unidos y ha coreografiado más de 41 obras, colaborando con la Compañía Nacional de Danza, el Ballet Nacional de España, el ballet de Cristina Hoyos, el Ballet Hispánico de Nueva York y el Ballet de la Ópera dEssen. El coreógrafo ha sido distinguido con el Premio Nacional de Danza que otorga el Ministerio de Cultura y el Premio Nacional de Cataluña en dos ocasiones y Premio de les Arts Escèniques de la Generalitat Valenciana, en el 2003 y el 2004

Ramón Oller comienza su colaboración con el Ballet de Teatres en el año 2003 con Congelado en el tiempo . Tras unos años vuelve con El amor Brujo en 2008, y el año siguiente con El meu Príncep su primer montaje dirigido a los niños. Ese mismo año, 2009 montó una revisión de su Carmen (2009),

Antes de Drácula

Este montaje nació desde una reescritura del montaje ‘Sangrepura’, que evolucionó en una propuesta coreografía totalmente nueva y más espectacular: ‘Sangrepura 2.0’, un montaje del Ballet de Teatres que se estrenó el 6 de agosto del año 2010 en el Teatre Romà de Sagunt dentro del Festival d’Estiu de Teatres-Sagunt a Escena.

Sangrepura ha sido toda una novedad en la danza al conseguir un espectáculo integral de danza teatralizada con ayuda de efectos especiales, trabajos multimedia, proyecciones... También la interpretación de los bailarines pasa por encima del movimiento para conseguir que sus rostros, que su cuerpo actúe de forma integral. Se trata de un trabajo creativo muy especial con una temática que también cambia respecto a lo que podría ser habitual ya que es una particular visión del mito de los vampiros, una inmersión en la cultura gótica a modo de danza.

Drácula

Tras Sangrepura y Sangrepura 2.0, cerrando esta trilogía, llega Drácula que completa la trilogía, una trilogía en la que la temática principal es la del Bien y el Mal y la seducción que ejerce la oscuridad y sobre todo la fuerza de los grandes mitos góticos: el conde Drácula y su relación con la condesa Báthory. Dice Oller que Drácula es "la poesía desgarradora de algo imposible"

Montaje

Este espectáculo requiere un espacio escénico imponente creado en gran medida con imágenes audiovisuales que en ocasiones se funde con los bailarines para creando imágenes, escenas únicas en las que los juegos de luces y sombras, las transparencias, los claroscuros, harán que imagines tanto como ves o que veas tras tu imaginación.

Según Oller, se trata de una propuesta "enérgica y visceral, fácil de entender y disfrutar" en la que el intenso ejercicio de interpretación corporal de los bailarines se apoya en una escenografía muy elaborada, con elementos audiovisuales sencillos pero trabajados, que van transformando el escenario en cada número.

Historia

El argumento podríamos decir que es: Drácula acaba siendo el seductor seducido y atrapado por la fuerza de la Condesa sangrienta Bathory. Ni Drácula es capaz de conseguir escapar de los sentimientos que le atrapan aunque encontraremos un final "especial". Así el montaje comienza con la imagen velada de la condesa bañándose en sangre de doncellas que cuelgan inertes, sangre que utiliza como elixir de la juventud. Imagenes éstas tras un suave velo que les oculta cualquier morbosidad, después, Erzsébet es encandilada por las mujeres del clan para acudir ante Drácula, que pretende absorber toda su sangre, aunque el seductor es seducido y sucumbe ante el encanto de la condesa, algo que Helena, compañera de tinieblas de Drácula no está dispuesta a aceptar.

Personajes y elenco

Gustavo Muñiz es el conde Drácula, un papel con una dificultad técnica en cuanto a la danza muy importante pero también con una dificultad interpretativa y emocional muy grande. Gustavo no solo utiliza la danza o la expresión corporal para su interpretación sino que sus gestos, su rostro, todo él resulta parte de nuestro famoso conde. Personalmente diría que a su personaje le falta algo de vestuario, algo de pomposidad para darle más carácter pero es una opinión muy personal que no todo el mundo comparte.

Fátima Sanles da vida a Erzsbét. Es el único personaje que no viste de negro, ella dice que es "la parte luminosa de la obra" aunque también es el personaje que resulta más cruel al ser la que asesina a las muchachas para conseguir su sangre. Permanece prácticamente todo el tiempo en escena con una interpretación genial en todos los aspectos.

Helena está interpretada por Diana Huertas. Helena es un personaje oscuro aunque liberador. Helena es "la parte femenina de Drácula" tanto Helena como Drácula no dan la sensación de dureza o crueldad. Son seres oscuros pero ni demuestran ni despiden maldad. Es otro de los grandes papeles de la obra con un par de escenas memorables.

El cuerpo de baile está formado por Far Alonso, Joan Crespo, Rubén Dario Bañol Herrera, Yaiza Davilla, Yvette García, Lara Hernandorena, Miguel Ángel Machado, Lorena Ortiz, Cathy Royo, Bilyana Shopova, Elizabeth Taberner, Miriam Vilas, Alberto Villanueva. Todos, absolutamente todos son magníficos, su trabajo coral es extraordinario y sus pequeños momentos solistas (que prácticamente todos tienen) perfectos. No se puede destacar a ninguno ni para bien ni para mal.

Música

La danza sin música no es nada y para este montaje tenemos, además del gran conocimiento musical de Ramón Oller la colaboración de José Antonio Bartual. Ambos han acertado en la elección de las diferentes piezas o pasajes de compositores tan excepcionales como Michael Gordo, Karl Jenkins y Zbigniew Preisner y, sobre todos el Concierto para Chelo y orquesta nº 1 de Dmitri Shostakóvich.

Todos los temas son tremendamente acertados y perfectos para las sensaciones que necesitamos en cada momento, para potenciar la danza, para acompañarla o para hacernos sentir desde ternura hasta miedo componiendo un ambiente sobrecogedor con cierto misterio y romanticismo.

Equipo técnico

El espacio escénico y la iluminación está llevada a cabo por el Equipo artísticotécnico del Ballet de Teatres de la Generalitat Valenciana con un trabajo acertadísimo prácticamente en todo momento (igual la escena inicial queda un tanto apagada, sosa por quedar demasiado matizada, así pierde fuerza)

El diseño de iluminación es de Carreguí con un resultado perfecto en prácticamente todas las escenas (también queda algo pobre la escena inicial)

Conclusión y recomendación

Tengo claro que no es una obra para recomendar a un neófito de la danza aunque cualquier persona sensible disfrutará del espectáculo porque es sobre todo lo que vamos a encontrar: un gran espectáculo en el que la danza es una parte muy importante pero no la única.

Es una obra para disfrutarla a ser posible en las primeras filas de la platea. La ambientación y la música necesita un estado especial, una paz especial, un silencio y falta de luz que en las filas traseras de los grandes teatros no es fácil encontrar (o en los palcos altos). Es un espectáculo para la intimidad.